Arte, imagens e cultura visual

Os três motivos do caminho na arte

2011-04-25T16:51:00.000-03:00

O que se valoriza hoje é a trajetória. Qual foi o caminho percorrido, "como" se chegou até ali. E isso ocorre, dentre outras coisas, por três fatores que observo: 1) com as novas tecnologias de comunicação e informação, tanto o armazenamento, quanto a reprodução impressa ou física de obras, quanto a possibilidade de se guardar ao menos o registro de uma performance, por exemplo, tudo fica passível de se construir narrativas. Essas histórias podem ser planejadas ou o artista pode reconhecê-la ao compor sua linha do tempo ou mesmo, outras pessoas visualizam e o autor mesmo, não vê, viu, se importa ou se importou.

Quando Escher virou "Escher"?

Em visita a exposição de M.C. Escher no CCBB de São Paulo (até 17 de junho) - saiba mais - um artista conterrâneo que mora em Sampa desde 2007 - Alessandro Corrêa, dizia sobre como é interessante rever o trabalho de um artista de grandeza e notar quando ele deu o "pulo do gato", quando ele virou Ele. Por coincidência, estávamos num local de comprovação de seu pensamento. As primeiras experiências do mestre holandês era dispersa e não necessariamente experimental - algo que povoou sua vida e maravilhou de artistas sensíveis a homens da matemática e física. Mas de repente suas xilo e litogravura apareceram com uma verdadeira aurora de trabalhos magníficos e redentores. Conhecia o velho Escher desde os tempos da faculdade de comunicação, nas aulas do Potiguara, mas não imaginava a técnica empregada.
Aliás, as imagens me instigaram muito e sempre achei que fossem desenhos a lápis - hahaha. Que nada. Escher usou suas mãos como nenhum outro - claro, eram suas! São detalhes inacreditáveis e um cálculo precioso que hoje é mais ou menos possível de serem feitos em massa - a reprodução nega a qualidade na maioria das vezes. Nossa alma contém o software dessa máquina, talvez nem todos tenhamos a mesma atualização ou facilidade em manejar o programa. Como nas NTCIs, tudo também depende do gênio que nos habita! Criatividade e técnica na harmonia de cada um.

Liberdade (SP) - Zico - Graffiti - Foto - Blog - Trajetória on/offline

2) Nunca estivemos tão perdidos\achados no emaranhado que se forma com a cultura digital-urbana da segunda década. As redes permitem a troca de informações que nos levam a portas e galerias, salas e travessias. Essas informações partem tanto do mundo ciber, quanto do tangível, um e outro se justapõem no imaginário individual, mais até que do coletivo. Algo se realiza nas ruas, no ateliê, nos teatros e logo, se realiza na rede, claro em doses menores, mas nem por isso é possível medir o grau de relação de cada um com o conteúdo. A presença não implica necessariamente a vivência, afinal, viver algo está muito além do que os olhos vêem, passa por processos mais complexos e indizíveis no interior/exterior de cada um. E, claro, vários algos também se realizam na própria internet, um lugar comum com afinidades, trocas, realizações e que de lá, partem para o mundo tangível, intervindo na configuração massiva, no peso da Terra. Esse é o segundo fator para a valorização da trajetória, do caminho. Todavia, dessa vez polissêmico, geográfico, desterritorializado, mas possível de ser marcado, demarcado, informativo, comunicativo.
Até chegar a esse post, o caminho percorrido disso (ich, ID), tendo a imagem do Zico como referência magna e transcendente, passou pelos seguintes processos: havia em mim o desejo de obter uma imagem para fazer um stencil (estava em uma oficina da própria Priscilla de Paula); convoquei meus sentimentos e percebi que gostaria de me arriscar nas ruas com algo que falasse pra\de mim e para as pessoas que passassem pelo local de aplicação. O Flamengo e Zico são forças de sentimentos que não consigo chegar ao seu princípio, tento racionalizar (aqui), mas são tudo ideias. Era o que eu precisava para me sentir um artista urbano. Nisso, me lembrei de uma bandeira que havia no Japão, em que a imagem do galo estava estampada como o stencil que queria. Como uma imagem razoável no google, procurei uma qualquer do craque. Encontrei a ideal e trabalhei no photoshop até se tornar monocromática. Utilizei uma impressora em rede para obter a imagem no papel e depois catei uma tampa de papelão da caixa de chamex da agência - trabalhava na Trópico Propaganda na época. Cortei a figura com um estilete e sai para as ruas feliz da vida. Ao longo de um ano e meio desenhei o Zico em vários locais da cidade, primeiro aplicando-o diretamente, depois em um papel - transformava a coisa em um cartaz. Adorava ver o perecível atuando, anônimos, como eu, arrancando aos poucos o que ali colocara arbitrariamente.

Depois, alguém levou-me a máscara original (o molde) e por conta de uma foto que havia tirado como registro, fiz outro Zico, só que em dimensões um pouco menores que o primeiro - vi isso só depois. Assim, em janeiro de 2009, um pouco alto por beber durante um sábado a tarde, escrevi o Zico em uma parede do bairro da Liberdade, em São Paulo. Semana passada, depois de uma virada cultural muito foda, andando pelo bairro oriental, revi o stencil. Havia esquecido, claro - a trajetória e a memória são impermanentes. Assim, registrei a foto como um anônimo novo-fotógrafo que clica para qualquer coisa que mexe, mas para mim, com um significado ainda mais profundo. A ideia de escrever sobre isso (o que faz parte do caminho também) não estava planejada de anti-mão. É uma quadra que marquei agora no endereço desse blog.

3) Se o primeiro aspecto está ligado às ferramentas e o segundo, ao processo de comunicação híbrido, a terceira característica que impõe a trajetória como ponto de reflexão, exaltação e análise é a vontade de ação/interação com o mundo/consigo. Observem que não é o processo de comunicação, mas a energia, a força que está por detrás de cada fonte de criação/reprodução. Hoje, além de consumidores de conteúdo, somos "livres" para interferir no mundo que nos cerca, somos produtores de subjetividades, de mundos. Uma teoria econômica talvez pudesse atribuir a característica simplesmente ao capitalismo e as portas abertas que o capital proporciona - toda ação quer um resultado econômico, independente do valor e da interface dessa valorização. Mas não! O inconsciente, o inconformismo, o ideal utópico, o não-sei-o-que-me-coça-tanto, tudo isso são quartz de átomos que pululam no plexo solar de cada um, nos indicando o desejo de reconstruir a todo momento nosso mundo, nossa vida. É, sim, a busca de nosso caminho, a busca do TAO - indizível, invisível, porém determinante. E ela acontece quando nos informamos e somos fonte de informação, quando pensamos e interrompemos o pensamento, quando agimos e deixamos de agir. É um movimento ininterrupto e estático ao mesmo tempo, uma contradição, uma força em si, o caminho, a verdade e a vida - mesmo que eu não saiba o que!

Feliz Páscoa, que renasçamos no aqui/agora!

João Paulo de Oliveira
@Jkerouac

Em mundos falsificados, cunho pequenos donativos - Allen Ginsberg

2011-04-09T01:25:00.003-03:00

Bicha, comunista e maconheiro. Um desses adjetivos apenas poderia significar a morte social para qualquer ocidental no pós-II Guerra. Na Europa, Turing, inventor da calculadora, cometeu suicídio após sua homossexualidade ser revelada. Na América, o semblante fechara para as minorias, para a fragmentação ideológica. Os Estados Unidos, em diferentes momentos e participações, assassinou negros e asiáticos, perseguiu intelectuais e artistas de esquerda e padronizou o comportamento de seu povo. Adorno, perspicaz sociólogo da Escola de Frankfurt, percebeu a ligação entre o cinema e os meios de comunicação americanos e algumas artimanhas do nazismo. Ambos tinham como intuito a necessidade de adesão a uma ação de uniformidade e idolatria. A diferença entre os dois movimentos se deu na forma como a mensagem chegou aos receptores. Se na Alemanha, o imperativo da repressão social e da coerção física foram motivações para a aceitação dos preceitos arianos, nos Estados Unidos do American way of life, o público se contagiou com as mensagens através de uma imposição binária: ou você fazia parte do sistema, agindo ou possuindo coisas, elogios e críticas aos mesmos assuntos, da mesma forma; consumindo produtos oferecidos pela TV, indignando-se com os sujeitos retratados em programas de rádio ou reproduzindo o estilo de figurino do cinema; ou você estava fora, era um marginal, com os melhores postos de trabalho recusados, com caras horríveis e fofocas implacáveis destruindo seu caminho.

Allen Ginsberg não teve filhos, mas sua genética espiritual se espalhou por todas as dimensões possíveis, do globo e da mente de gerações que o acompanharam ( e o acompanham). Geminiano (3 de junho de 1926, Newark - Nova Jersey), evocou o avatar de seu signo solar com força: foi poeta, músico, jornalista, professor, ativista e homenageado nos Estados Unidos e em Cuba. Criou redes em várias partes da sociedade americana e mundial, tornando-se uma espécie de embaixador das artes, da liberdade e da psicodelia. Allen não sentia-se envergonhado com sua homossexualidade, nem com seu modo vagabundo de viver a vida, muito menos com seus amigos drogados e transviados. Nos anos 1960, em várias manifestações fundantes do movimento hippie e da revolução cultural, nas quais cinco ou dez pessoas envergonhavam os transeuntes com cantos e cartazes, lá estava ele. Em 1965, Ginsberg foi convidado à Tchecoslováquia, onde fez pequenos recitais de poesia em Praga e Bratislava. Segundo Rego Costa, ele foi "recebido com grande alegria e coroado como o Rei de Maio, no Festival de Maio, uma tradição universitária local, não foi nada bem-vindo pelo governo linha-dura da época que termina por expulsá-lo do país (em 7 de maio de 1965) sob a acusação de uso de drogas, embriaguez em público e pelo caráter licencioso e moralmente degradante de seus textos".

A Alvorada Beatnik

1955 - São Francisco, Califórnia. Em uma noite, a bela madrugada em que a Beat Generation se tornaria símbolo para a intelectualidade americana dos anos seguintes, Allen Ginsberg, judeu e ex-interno de um hospital psiquiátrico, declama para o delírio de Jack Kerouac (que não leu absolutamente nada nesta noite, apenas distribruíu vinho e maconha para a platéia), na Six Galery, o Uivo (Howl), poema-evangelho da contracultura. Com um início de arrepiar pêlos escondidos:

Eu vi os expoentes da minha geração destruídos pela loucura, morrendo de fome, histéricos, nus,arrastando-se pelas ruas do bairro negro de madrugada em busca uma dose violenta de qualquer coisa “hipsters” com cabeça de anjo ansiando pelo antigo contato celestial com o dínamo estrelado da maquinaria da noite, que pobres, esfarrapados e olheiras fundas, viajaram fumando sentados na sobrenatural escuridão dos miseráveis apartamentos sem água quente, flutuando sobre os tetos das cidades contemplando jazz, que desnudaram seus Cérebros ao céu sob o Elevados e viram anjos maometanos cambaleando iluminados nos telhados das casas de cômodos, que passaram por universidades com olhos frios e radiantes (...)

Um outro poema famoso é Kadish, uma homenagem à mãe esquizofrenica, além de América, onde critica com extrema lucidez o modo de vida americano e suas contradições:

América eu te dei tudo e agora não sou nada.
América dois dólares vinte e sete centavos 17 de janeiro de 1956.
América não agüento mais minha própria mente.
América quando acabaremos com a guerra humana?
Vá se foder com sua bomba atômica.
Não estou legal não me encha o saco.
Não escreverei meu poema enquanto não me sentir legal.
América quando é que você será angelical?
Quando você tirará sua roupa?
Quando você se olhará através do túmulo?
Quando você merecerá seu milhão de trotskistas?
(...)

Nos anos 1960 começa projeto de musicalização de obras do poeta William Blake, Songs of Innocence and Experience by William Blake, tuned by Allen Ginsberg que permaneceu até seus últimos dias.

Com extrema notoriedade durante as lutas contra a guerra do Vietnã, Ginsberg acabou se aproximando e sendo aproximado a diversos artistas que se tornaram famosos. Jim Morrison dizia ler Ginsberg antes de dormir; Lennon gravou vídeos experimentais; Bob Dylan, Paul McCartney e o The Clash gravaram músicas em conjunto com o poeta.

Ginsberg muito mais do que a alma artística, possuía o espírito "beat" - arte, política, ação! A poesia não é um quadro na parede, mas a tinta eterna que nunca seca!

RIRKRIT TIRAVANIJA

2011-01-25T09:18:00.005-04:00

"Uma bancada com crepes, cercada por uma mesa invadida pelos visitantes... Diante de uma obra que consiste essencialmente no consumo de um prato, e por meio da qual os visitantes, tal como o artista, são levados a executar gestos cotidianos, onde termina a cozinha e onde começa a arte?" (BOURRIAUD, Pós-produção, Martins Fontes)

O que muito me interessa nesse tipo de trabalho é a compreensão de que, apesar de Tiravanija preparar e servir comidas em algumas de suas obras, como em Untitled (one revolution for minute), ou na cantina itinerante, intuímos de imediato que a arte não reside no prato, o que poderia ocorrer se fosse um trabalho de gastronomia propriamente dito. A arte tampouco reside na preparação da comida, mas sim na interação entre as pessoas que tiveram a sorte de participar de uma destas ações. Na atividade humana de produzir e consumir e a partir deste consumo, produzir novos significados. Bourriaud nos fala de Tiravanija como um artista com vontade de inventar novos vínculos entre as atividades artísticas e as atividades cotidianas (ouvir música, comer, descansar, conversar). Ele cria espaços de sociabilização precários, nada duradouros, mas eficazes porque irão privilegiar o contato humano e ao mesmo tempo expor as noções de comunidade e do efêmero.

Ora, vivemos atualmente num esquema social que se transforma a partir das conexões de rede, das transmissões eletrônicas de informação e dos contatos invisíveis e de curtíssima duração, mas mesmo assim, conseguimos dar conta de nossa existência coletiva de forma satisfatória e apenas seguimos o rumo das transformações humanas, sociais e tecnológicas. É que apesar da internet, do automóvel, do telefone celular, do computador portátil, ainda assim, comemos, dormimos, conversamos, amamos e sonhamos.

Márcia X.

2010-09-19T15:12:00.006-03:00

Marcia X. foi uma das importantes mulheres artistas brasileiras. Iniciou sua carreira em 1980 com a performance Cozinhar-te e até seu desaparecimento, em 2005, desenvolveu um trabalho memorável com performances, instalações e objetos.

Desenhando com terços (2000-2003)

Cair em si (2002)
Exibição da videoperformance na 7a Bienal do Mercosul

Complexo de Alemão (2002)

Reportagem sobre a performance Complexo de Alemão de Marcia X. reperformada por Ricardo Ventura na abertura da 7a Bienal do Mercosul, no Armazem A3 na Mostra Absurdo. Aqui.

Página web sobre Marcia X.

Marina Abramovic

2010-09-10T14:34:00.006-03:00

Marina Abramovic, what is performance art?

The artist is presente, MoMa 2010

The other artist is present - Abramovic e Amir Baradaran

Terence Koh entrevista Abramovic

Marina Abramovic spirit cooking

Imagens da UFJF

2010-09-03T18:31:00.006-03:00

Na página Análise de imagens, deste mesmo blog, disponibilizo as imagens que serão trabalhadas na aula do dia 08 de setembro.

Imagens para aula de desenho livre para arquitetura (UFJF)
Fotos UFJF 1
Fotos UFJF 2
Fotos UFJF 3
Fotos UFJF 4

Bauhaus: muito mais que cadeiras e luminárias

2010-05-04T15:08:00.005-03:00

Oskar Schlemmer, Slat Dance, 1916-22

Quando estava preparando a aula de Bauhaus encontrei-me com Oskar Shelemmer e desta vez me apaixonei. Me admirei por nunca ter dado atenção à este artista excepcional. Ele deu a disciplina "O homem", obrigatória ao 3 semestre, duas horas semainais.
Começou com representação e desenho do corpo humano e desaguou no mar de conhecimentos que dizem respeito ao homem, desde espaço até coisas e pensamentos.
O que seria traduzido por transformação do corpo humano em cenografia a partir de leis do espaço cúbico circundante, leis funcionais do corpo em relação ao espaço, leis do movimento do corpo no espaço e formas metafísicas de expressão!!!!

O trabalho que este artista desenvolve me comoveu e fez com que a Bauhaus ganhasse um lugar mais honrado no meu caderno de coisas que mais gostei de aprender.

Downlod para aula BAUHAUS

Downlod para aula arte abstrata na modernidade

Arte Grega

2010-05-03T17:22:00.008-03:00

Download da aula

Existe vida inteligente na Linha do Tempo?

2010-04-14T13:39:00.004-03:00

A linha do tempo é uma faca de dois gumes. Nós professores de história da arte (principalmente da antiguidade à modernidade) costumamos usá-la constantemente como recurso didático para auxiliar o aluno no estudo dos movimentos e escolas artísticas que ocorreram ao longo dos séculos em determinados lugares do mundo. Tal instrumento, tende porém a ser transformado pelo aluno numa espécie de tabela periódica das artes; ou seja, sempre haverá uma dúvida cuja resposta sempre estará nas entrelinhas da mágica Linha do Tempo, independente da natureza formal ou conceitual da questão formulado. Oh oráculo da arte, que me mostra com certeza tudo que aconteceu lá e acolá, naquele ou neste tempo em questão...
Ledo engano, ela faz parte de um sistema de ensino que limita o fenômeno da arte e o fato histórico a determinado período de tempo e o circunscreve em determinado espaço específico. Santo Deus, podemos estudar ARTE dessa forma? Pra começar, o que e arte? No século XIX o estudo das arte estava plenamente inserido no estudo da história da arte seguindo a lógica temporal. Isso fazia muito mais sentido naquela época que atualmente. Naquele momento o mundo era menos complexo porque o mundo estudável era menor, havia menos variáveis, menos coisas que despertavam interesse de estudo ou que eram dignas de estudo ao homem esclarecido. O que era apócrifo era banido e interessava apenas aos loucos e desvairados; ou seja, no nosso caso, só existia a Europa e alguns siítios exóticos que chamaram a atenção do mundo europeu como lugares onde se produziam objetos de arte e cultura de um modo geral. Cultura era somente aquela que era escrita e erudita e era bem mais fácil definir reconhecer obras de arte, afinal, não existia nada que fosse muito diferente de pintura, escultura e arquitetura (Bellas Artes). O discurso histórico, lógico e concreto era suficiente para dar respostas satisfatórias. Não existia nada de importante além do que estava registrado nos livros escritos pelos enciclopedistas de pele branca e de olhos claros. Assim era moleza!

Atualmente sabemos que nada no mundo é exato, nenhum fenômeno foi ou é constante e nem mesmo podemos ter certeza do que vemos ante os nossos olhos. Agora peguem tudo isso e levem para o contexto da arte, algo que por si só já é dificil demais de se definir e de se entender, algo que vai muito além do objeto e da função. Algo, cuja melhor definição é ser algo.

Digo tudo isso para alertar que a linha do tempo, que apresentarei com muitas ressalvas abaixo, em resposta à demanda de alunos e de leitores deste blog, é apenas um dos inúmeros recursos que utilizamos para conhecer a arte.
Será bem simples, e talvez assim deva sê-lo, pois torná-la muito complexa poderá dar a ela mais importância do que de fato merece.
Esta aqui servirá para termos uma noção básica e superficial do que foi a evolução das artes visuais em parte do mundo ocidental. Nunca devemos esquecer que a história foi contada por fulanos e isso quer dizer que se tivesse sido contada por sicranos teríamos, possivelmente, uma outra configuração de linha do tempo!!

Alessandro Correa, santos e monstros

2010-04-08T18:12:00.003-03:00

Este é o novo projeto do ilustrador e artista gráfico Alessandro Correa: Tentações de Santo Antão, em 3D anaglifo. Isso mesmo, pra ver com os óculos vermelho e azul!!! Premiado no último festival do minuto com "Os Últimos 40 segundos de Dr. Jekyll & Mr. Hyde", ele trabalha muito bem com colagens e tem um repertório de imagens fantástico, além de ser um desenhista supimpa!

Mais sobre ele no link

Arte ou Design, aquesta és la qüestió

2010-03-25T15:59:00.011-03:00

Lucy McRae e Bart Hess

Imagine que você é uma imagem e como tal pudesse escolher entre ser um trabalho de arte ou ser uma peça de design? Ser design hoje em dia é bem legal, certo? Se você fosse peça de design estaria nos melhores espaços virtuais, frenquentaria os lugares mais sofisticados, teria informação tecnológica atualizada! Seria inteligente, se quisesse, ou poderia fazer a linha bobinha-mas-linda-de-morrer se assim preferisse! Estaria sempre em forma, seu visual seria o máximo, "forever beautiful, forever frozen".... Outra grande vantagem de ser design é ser carismático, todo mundo te adora, te deseja e você pode até escolher entre ser realmente popular ou fingir que é acessivel, sabedo que, na verdade, não é pra qualquer um não.
E o melhor de tudo: acreditar-se realmente útil! adeus divã!
Agora como é ser arte? Apesar de seguir uma linha (ainda) bem elitista, é (ainda) uma boa opção de vida para uma imagem, sem dúvida. O caminho é mais experimental, não há certo ou errado nesta trilha (olha que beleza! E isso não pode acontecer se você quiser ser design). Outra grande vantagem é que, para ser arte, nem é mais necessario ser bonito - lembre-se dos séculos passados quando a única carreira digna para uma imagem era estar de acordo com as chamadas Belas Artes. Durante muio tempo, a beleza foi o fio condutor das artes, porém agora tudo mudou, pode ser feio, pode ser lindo, pode até não ser nada disso que você está pensando! muchas gracias Duchamp e adeus divã outra vez!!!
Mas não é tão fácil assim não!! Não basta poder-não-ser quando você tem a obrigação de ser inteligente, de preferência brilhante. Tem que saber se explicar, ou melhor, tem que estimular a reflexão. Não pode ser superficial de jeito nenhum (isso seria um problemão para alguns, haha). A questão é que um é múltiplo e o outro é multi... dificil saber quem é quem. Claro que isso é uma generalização, uma setorização vulgar mas eficiente em termos de compreensão inicial.

Melhor ainda se pensarmos nas coisas assim: dois grupos com especificidades definidas (Artes e Design) que se aproximam e se misturam cada vez mais. O Design é o grande agregador de imagens em nosso tempo e a Arte se torna um imenso jardim de idéias, muito além da imagem. Nosso papel é buscar os frutos deste cruzamento, os herdeiros, os híbridos, os mestiços. Isso é cultura visual contemporânea. É disso que eu gosto.

Aproveite e vote na enquete ao lado que fica ativa até junho de 2010

Cubismo ou picassismo?

2010-03-24T15:06:00.008-03:00

Picasso, cubismo sintético

É brincadeira. O cubismo, movimento das vanguardas européias (1907 a 1914 aproximadamente), transcende Picasso. Temos Braque, por supuesto, temos o grupo "rival" de Puteaux, com artistas como Gleizes, Metzinger e os irmãos Duchamp (quem diria que Marcel Duchamp, um dia, achou que seria cubista!!), e também temos Delauney, temos Léger, Juan Gris, Kupka, etc.etc.etc.etc. Sem falar nos pseudocubistas das Américas, alguns tão bons quanto os originais.

Raymond Ducham- Villon, O grande Cavalo, 1914

Kupka, Discos de Newton, 1912

Porém é comum misturar o cubismo com o Picasso. E em defesa do artista (ou do movimento), é bom lembrar que sua obra se extende muito muito muito além do cubismo!

Picasso pós-cubismo

Picasso pós-cubismo

Também é importante saber que alguns cubistas (ou picassistas) foram mais cubistas que Picasso e Braque (os fundadores). Com assim Priscilla, explique-se melhor! - Quero dizer que alguns deles foram mais comprometidos com a causa cubista, mais eficientes na difusão das idéias cubistas pelo mundo moderno, que os próprios papais do movimento. Metzinger foi um que se dedicou veramente ao cubismo, mesmo que sua motivação se explique pelo desejo de ser reconhecido e de vender quadros (e neste aspecto, não fez nada muito diferente do que fez Picasso, porém com estratégias de auto-promoção distintas).

Metzinger, Aldeia, 1912

Ao estudarmos a história do Cubismo descobrimos que há também quem fez muita confusão, seja sem querer, como o proprio Apollinaire, que errou feio em algumas de suas análises; seja por querer, como Picabia, que por pura chacota, convenceu os norte americanos, deslumbrados e chocados em pleno Armory Show, ser ele o grande mentor cubista na Europa (TOMKINS, Calvin. Duchamp. Cosac & Naify)!!

Este post celebra o cubismo por algo muito importante que foi inaugurado a apartir de seu conjunto de obras, ou seja, as novas possibilidades na representação bidimensional. O golpe na supremacia da perspectiva como única forma correta de se representar as coisas no espaço pictórico, foi o primeiro passo para novos caminhos como a expansão da abstração na arte moderna, os novos valores espaciais na escultura e na pintura, as representações pluridimensionais, novas linguagens como a colagem, etc.

Delaunay

Colagem de Picasso

Colagem de Braque

O cubismo foi realmente inovador e muito essencial para a grande maioria das vanguardas artístiscas que irão se aproveitar destes ou de outros grandes momentos desse breve movimento francês.

Mais na Aula:
Cubismo I
Cubismo II

iniciação ao estudo das artes e das imagens

2010-03-22T16:19:00.006-03:00

Duchamp, redes de stoppages

Estudar artes é uma coisa, estudar as imagens é outra coisa mais ampla ainda.
O estudo das artes está contido, em partes, no estudo das imagens. E o estudo das imagens transcende o das artes.
Isso não quer dizer que uma coisa é melhor ou pior que a outra. São apenas universos discursivos que às vezes se encontram de forma excepcional e outras vezes se afastam.
Parece incrível, mas atualmente, e cada vez mais, estudar artes não significa mais, em muitos momentos, analisar imagens; como também estudar as imagnes não requer, necessariamente, a recuperação de modelos ideias no mundo artístico.

Essa aula inicial do curso de historia das artes quer responder a uma série de primeiras perguntas do indivíduo que pela primeira vez começa a se interessar pelo assunto das artes. Perguntas bem básicas como quando aconteceu a arte moderna? o que são as linguagens na arte? o que são os estilos? arquitetura é arte? desenho é arte? etc etc etc...............

É claro que ajudará muito recuperar o que conversamos em sala de aula, mas para aqueles que apenas acompanham o blog, vale a pena fazer o download da aula e apenas observar as imagens, quaquer dúvida ou comentário estou a disposição, deixe comentários!

Download da AULA

Antigo Egito

2010-03-22T14:56:00.007-03:00

Imagem retirada de Livro dos Mortos: Anubis, o Deus da Morte, mumificando o Faraó.

O Antigo Egito desenvolveu uma arte fundamentalmente funerária e religiosa, de extrema rigidez estilística cujas imagens tiveram, não só o papel de registrar os feitos e a vida de grandes reis e príncipes, mas também de instruir seus espírios, também chamados de Ka ou Ba, à vida após a morte do corpo.

Representação do KA (braços em forma de U)

O tamanho rigor da cultura visual Antigo Egito advém de uma sociedade extremamente rígida em todos os aspectos politicos, econômicos, religiosos e culturais. Durante aproximados 40 séculos, as formas de representação seguiram um padrão mais ou menos similar em termos de hierarquia, temática, técnicas e valores formias presentes nas imagens criadas.
O melhor exemplo é o conjunto de regras de representação que chamamos de Leis da frontalidade.

Pelas leis da Frontalidade representado deveria estar imóvel (mesmo quando fosse pintado em movimento!!), o tórax deveria ser representado sempre de frente, a cabeça de perfil, o olho de frente, os pés e mãos de perfil mostrando apenas um dos lados, direito ou esquerdo. Homens tinham a pele mais escura que as mulheres, os tamanhos dos retratados seguiam leis de hierarquia social e não de escala humana real, não havia preocupação alguma com a representação do espaço tridimensional, e assim por diante.

Regra da forntalidade

Frontalidade de tronco, cabeça de perfil, olhos de frente, ambas as mãos são direitas.

Detalhe mostrando os pés, ambos são os pés esquerdos, observem o dedão.

Hierarquia na escala humana. Observe que as escravas são bem menores que a provavel princesa representada muito maior. Outra curiosidade é que quanto menor for importância social do pessoa pintada, menos rígida será sua representação. Veja que as escravas tampouco são pintadas segundo as leis rígidas da frontalidade, se movem mais, têm o tórax em perfil, etc.

Mas apesar das leis rigorosas na representação encontraremos na arte egipcia imagens de extrema beleza, criativdade e carredas de significados mágicos e religiosos.

Jóia de Tuntakamon com símbolos religiosos do Egito antigo: escaravelho, falcão, Globo alado (acima do escaravelho/falcão)

Isis, pintura de um sarcófago.

E como toda regra tem sua excessão, houve um momento revolucionário atualmente identificado como período amarniano. Akenaton, ou Amenophis IV, foi um faraó visionário que virou o Egito de cabeça pra baixo. Sua nova abordagem religiosa faz com que, pela primeira vez na história antiga, o homem viva a experiência do monoteísmo com o o Deus único ATON. E também, pela primeira vez na história, temos uma cidade projetada, Tell-AMARNA.

Simulação 3D do que pode ter sido Amarna.

Amarna nos dias de hoje

O período amarniano é marcado por uma arte muito mais livre e menos dogmática do que tudo que havia sido produzido antes no Egito. Porém, com o desaperecimento de Akenaton, tudo volta ao normal, Amarna é destruída e abandonada, Tebas volta a ser centro econômico e capital do Egito, os antigos deuses voltam a ser adorados e a arte é novamente feita segundo as leis rígidas da frontalidade.

Akentaon e Nefertiti, o faraó e sua rainha, período amarniano.

AULA PARA DOWNLOAD

Imagens primitivas ou arte primitiva?

2010-03-22T13:58:00.003-03:00

Serra da Capivara - Piauí

Desde o início da vida humana na Terra as imagens fizeram parte da relação homem e natureza. Porém, a pesar da enorme tendência que temos de encarar qualquer boa imagem como obra de arte, aquele caçador paleolítico que pintou ou rabiscou o bisão, o cervo ou deixou a marca de suas mãos no fundo de cavernas africanas e européias, não fez isso pensando na arte. A arte como produção de imagens com a finalidade de causar gozo estético, ou cujo objetivo é o deleite visual, só vai acontecer tempos mais tarde a partir principalmente da civilização grega.

Bisão paleolítico das cavernas de Lascaux (França)

Mas, realmente, desenhar fez parte da agenda do homem desde tempos imemoriais, numa época em que sobreviver era talvez a coisa mais importante a se fazer, por isso é muita aceita a teoria de que as pinturas e desenhos tenham uma forte relação com as estretégias de sobrevivência do homem primitivo. Nesse sentid acredita-se que as primeiras imagens tinham um objetivo mágico. Isto é, ao pintar a imagem do animal o caçador estaria capturando também o animal verdadeiro, apreensão da coisa real ela manipulação de sua imagem.

Pintura rupestre africana

Isso explica, entre outras coisas, a característica realística das imagens mais antigas em comparação com a simplificação estética que ocorreu com o passar do tempo. Ou seja, enquanto as imagens tinham a responsabilidade mágica de funcionar como armadilha para o objeto (animal) real, quanto mais semelhantes com a realidade, mais eficaz seria a magia; e a medida que o homem desenvolve as noções de religião, de sagrado e de profano, algumas noções se tornam mais abstratas, e as imagens se tornam mais simbólicas e por isso podem ser mais simplificadas, expressivas e impressionistas.

É também neste momento que vemos o homem começar a retratar-se mais...

Do naturalismo o homem primitivo caminha para a produção de imagens que por vezes são tão enigmáticas que seu significado está perdido no tempo...

Para saber mais faça o download da aula aqui!

Graffiti & Guerrilla: comunicação visual na cidade contemporânea

2010-02-09T17:42:00.003-04:00

A guerrilla é um fenômeno que desorganiza a programação visual institucionalizada pela industria cultural e pela sociedade de consumo nas cidades contemporâneas. Usando recursos semelhantes aos da publicidade, a guerrilla é inovadora pois faz da transgressão seu melhor aliado, seja por ocupar espaços proibitivos, seja por se apropriar, traduzir e esvaziar os meios de comunicação de massa de suas funções originais. Podemos entender a guerrilla como conjunto de interferências visuais urbanas, contemporâneas, realizadas por coletivos ou indivíduos anônimos em sua grande maioria. Pode apresentar-se na forma de pinturas, adesivos, cartazes ou panfletos, podendo chegar algumas vezes à forma de interferências tridimensionais, ocupando atualmente um lugar importante no cotidiano de nossas vidas urbanas.

Se a publicidade, por um lado, tem lugar em um quadro perfeitamente delimitado – lugares institucionalizados e pagos que lhe conferem autoridade e legitimidade para existir no entorno urbano e humano; já os modelos de interferências urbanas informais e artísticas se caracterizam pela ausência de um marco próprio, e isso já constitui sua especificidade, um elemento importante de sua concepção tornando-se, pois, mais um atrativo que uma deficiência. Neste sentido, detectamos um uso indiscriminado do espaço público que acaba por ser transgressor ao passo que se apropria de superfícies públicas não destinadas para estes fins: desde paredes de edifícios, até espaços publicitários reservados, ou mobiliário urbano (orelhões, pontos de ônibus, caixas de correios, etc.) e em casos extremos em monumentos e em patrimônio público. Algumas interferências, por terem um aspecto estético mais atraente que outras, costumam ser mais toleradas.. Porém, a guerrilla realiza sua tarefa reivindicativa e assume seu verdadeiro caráter transgressor diante de uma sociedade que determina praticamente todas as formas de atuação e de comunicação: controlando os meios de comunicação existentes, controlando o que podemos dizer e o que não podemos, até onde podemos dizer e onde não podemos.

Atualmente, as associações entre guerrilla, graffiti e arte pública produzem mais sentido do que nunca, uma vez que as formas de produção visual contemporâneas não têm mais que responder a um modelo de narrativa fechado e excludente. Assim, graffiti, guerrilla e arte se tornam expressões híbridas e podem ser analisadas e diferenciadas, se necessário for, a partir de elementos que a própria arte vem apropriando para si.

Para download aula graffiti e guerrilla

Veja também o video "1week of art":

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Olympia e a Modernidade

2010-02-09T17:39:00.005-04:00

Atualmente há um certo consenso entre críticos e historiadores (entre eles o próprio Greenberg) em aceitar que um dos artistas precursores do modernismo foi Manet com sua bela e polêmica Olympia.
A ainda bela Olympia já não é mais polêmica no século XXI. No entanto, em sua época, causou escândalo e admiração mais por sua forma do que pelo seu tema propriamente. É certo que a pintura representa possivelmente uma orgulhosa prostituta, nua, em uma cena doméstica; talvez isso pudesse incomodar os mais puritanos, a crueza dos fatos. Por outro lado, este não era um motivo convincente para se justificar tanta repugnância. A arte, e sobretudo a pintura, estava mais que acostumada a lidar com mulheres nuas e sedutoras que, de frente, de costas, ou olhando bem dentro dos olhos do observador, se ofereciam sem nenhum pudor ao consumo. Mesmo que aparecessem protegidas sob a legenda de vênus, madalenas, etc., cumpriam semioticamente o mesmo papel de objeto na cultura masculina do ocidente.

Abaixo alguns bons exemplos. O primeiro deles, a famosa e respeitada Vênus de Urbino de Tiziano foi sem dúvida uma referência iconográfica das mais importantes para Manet pintar sua desavergonhada Olympia:

Então qual seria o motivo real para tanto desconforto? Para responder a essa pergunta devemos pensar sobre o que era a pintura naquela época.
Manet viveu os últimos tempos de uma época em que a boa arte era definida por sua eficiência na representação do mundo exterior. Nesse sentido, a pintura, especialmente ela, deveria funcionar como uma passagem fantástica para a ilusão tridimensional. Toda imagem ali pintada, além de ser representação do “mundo real”, deveria levar o observador horizontalmente para dentro do quadro, como um corredor, ou um buraco ilusório na parede. Para tanto, os artistas tinham duas ferramentas importantes e fundamentais: a perspectiva e a técnica de claro-escuro (luz e sombra). A primeira garantia essa horizontalidade para dentro da tela e a última transformava as cores chapadas em verdadeiros volumes tridimensionais. Essa era a receita de uma obra de arte.
A transgressão de Olympia está na maneira como Manet a pintou.
No detalhe abaixo podemos observar a forma como a tinta cobre a tela – não há mais um trabalho virtuoso de degradês na passagem da luz para sombra. O artista passa de uma cor a outra sem muita preocupação em “lamber” a tela até que a marca artificial do processo desapareça. Muito pelo contrário, começa a tornar-se pouco a pouco mais visível, as tintas e as pinceladas. Manet nem se preocupa em fazer desaparecer a linha escura que contorna o corpo da modelo. Essa linha pornográfica foi o que tornou Olympia a mais devassa das pinturas de sua época!

É claro que não podemos negar que, além disso, Olympia de fato se apresenta com uma sexualidade feminina no seu aspecto moderno: viril, ativa, agressiva. Isso também incomodou.
A modernidade de Olympia, segundo Fer, está na combinação de um tema problemático e modo de pintar desconcertante. E está também na incapacidade da crítica da época de reconhecer sua singularidade.
É como se Olympia pudesse ser comparada a uma frase cujas palavras são inteligíveis porém a gramática está errada. Em “bom” português seria algo assim “fui no cinema e vi que não tinha trago a bolsa.”

Download da aula Modernidade e arte moderna
Bibliografia:
FERREIRA, G. & MELLO, C. C. [org], Clement Greenberg e o debate crítico, RJ: Zahar
FRASCINA, F.; BLAKE, N.; FER, B.; GARB, T.; HARRISON, C., Modernidade e modernismo, SP: Cosac&Naify

Expressionismo

2010-02-09T17:36:00.004-04:00

Emil Nolde, Crucificação, 1912

Este post é especialmente interessante para quem está começando a estudar a arte moderna. Segundo a lógica da História da Arte ocidental, a grande maioria da informação sobre movimentos artísticos na modernidade diz respeito a uma série de movimentos chamados Vanguardas Artísticas. As Vanguardas aconteceram no início do século XX na Europa e constituem um conjunto de ações e manifestos ligados às novas formas de concepção e fruição da arte. Mas apesar da mudança de postura que se formou então, dentro e fora da arte – a demasiada importância aos aspectos da representação naturalista do mundo exterior cedeu lugar à demasiada importância aos aspectos formais da obra e a uma subjetividade na representação – o produto destas Vanguardas não foi diferente do produto da antiga arte, isto é, obras de arte.
Algumas mais influentes que outras, as Vanguardas tiveram um papel importante na distribuição da ideologia modernista pelo mundo não europeu. Um bom exemplo deste imperialismo vanguardista foi a influência, quase absoluta, que os artistas do modernismo brasileiro sofreram na produção de seu repertório visual. As fontes viriam principalmente do movimento cubista e expressionista.
(Ismael Nery)

Kirchner Cartaz da Ponte

O primeiro movimento da Vanguarda que vamos estudar é o Expressionismo.
O expressionismo aconteceu em vários períodos da primeira metade do século XX e também em vários países. Porém os principais berços expressionistas são a Alemanha e a França. Na Alemanha foi onde o movimento se desenvolveu pelo menos em 3 momentos distintos e com características também singulares a cada período histórico (A Ponte, O Cavaleriro Azul e Nova Objetividade); e na França, apesar de breve, desenvolveu-se um expressionismo (Fauvismo) que foi muito influente no movimento moderno do Brasil.

Kirchner - Alemanha - A Ponte

Otto Dix - Alemanha - Nova Objetividade

Matisse - França - Fauvismo

DOWNLOAD AULAS DE EXPRESSIONISMO
aula 1
aula 2

O que fez Cézanne?

2010-02-09T17:32:00.004-04:00

Antes de dar continuidade ao estudo das Vanguardas Artísticas européias é necessário retroceder algumas décadas e voltar ao final do século XIX. Tudo isso para olhar atentamente para a obra de Paul Cézanne.
Cézanne nasceu em 1839 em Aix-en-Provence. É um artista solitário, por vezes temperamental e revoltado por não ter seu trabalho reconhecido. Na verdade, sua biografia não apresenta muitas emoções: um casamento discreto, uma longa amizade de juventude com Zola, e o rompimento desta na idade madura. A pintura, sim, esta apresenta uma trajetória de importantes realizações. Pintar tornou-se para ele um exercício mental. Rigoroso e determinado, queria produzir uma obra tão sólida quanto a que via no Louvre. Porém, seus quadros foram constantemente recusados em todos os salões parisienses em que participou, sendo reconhecido apenas na velhice. Sua geração foi incapaz de assimilar seu trabalho.
Atualmente é considerado o maior de todos os artistas de seu tempo, sem sua obra a modernidade teria acontecido, mas de outra forma.
Por que Cézanne é tão importante? Simplesmente porque seu trabalho foi definitivo para a aplicação de um dos paradigmas mais fundamentais da modernidade: a relação entre a pintura e a planaridade da tela. Esta nova forma de pintar, resultado de uma vida inteira dedicada ao estudo e à prática da pintura, possibilitou que artistas mais jovens, como Braque e Picasso (criadores do cubismo), desenvolvessem posteriormente, e de forma ainda mais radical, a maneira de representar objetos na tela. Essa originalidade mudou para sempre a tradicional relação figura e fundo na pintura e a partir daí estava de fato instaurada a modernidade na arte ocidental.

Podemos dizer que sua contribuição se deu em 3 aspectos:
1. Uma nova interpretação da realidade exterior e da realidade da tela.
2. Tendência a geometrizar as formas naturais.
3. Capacidade de representar objetos a partir de pontos de vista heterodoxos em relação às leis perspectivas tradicionais (renascentistas).

A tela Mulher com cafeteira pintada entre 1890-5 mostra um pouco do que foi a pesquisa pictórica de Cézanne. É relativamente óbvio o uso de formas geométricas em toda superfície do quadro. Isso se vê nos retângulos da parede de trás, no próprio formato triangular da figura feminina que é, além disso, composta por elementos circulares e trapézios; e finalmente nos cilíndricos objetos sobre a mesa. Porém, o mais interessante da busca de Cézanne foi aquilo que colocou em xeque toda a verdade da tradição pictórica ocidental, que se referia à representação da realidade externa na tela simulando nesta uma horizontalidade virtual. As pinturas anteriores funcionavam como janelas virtuais que abriam nas paredes um universo mágico de representações e simulações. Cézanne vai destruindo, pouco a pouco, esta tradição quando faz referências à superfície plana e vertical da tela. No caso da Mulher com cafeteira, toda a composição é composta por linhas verticais que desenham no quadro pequenos caminhos ascendentes. Uma das mais fortes delas é a linha que divide a pintura quase ao meio, esta aparece tanto no vestido da mulher como no vinco que divide seu cabelo. Outra linha vertical importante é a que se insinua na postura nada natural da colher dentro da xícara de café.

No entanto, uma das formas mais cezannianas de mostrar a planaridade da tela se encontra no ângulo nada ortodoxo que apresenta sua mesa, não apenas neste mas em muitos quadros. Sem se importar absolutamente com as regras tradicionais da perspectiva clássica, Cézanne pinta sua mesa quase que paralela à própria tela do quadro. Longe de ser um equívoco gráfico, está é uma das soluções mais geniais de Cézanne para suas questões de representação pictórica. Eis aí a premissa básica que iria inspirar grande parte da pintura moderna posterior.

Outra pintura que mostra a sutileza na pesquisa deste pintor é a natureza morta abaixo. Observe que a mesa está outra vez pintada com o tampo paralelo à tela. Porém Cézanne faz variações também nos ângulos dos objetos pintados sobre a mesa. Os dois pratos e a jarra parecem estar sobre superfícies diferentes. Este fato singular, que aos olhos dos contemporâneos do pintor deve ter parecido um erro bruto no desenho de observação dos elementos pintados, faz parte da pesquisa cezanniana em contrariar as regras da representação tradicional e em reduzir tudo a elementos geométricos em busca do verdadeiro equilíbrio. Assim, se observamos atentamente, vamos perceber que o prato com cerejas é um círculo igual à laranja que está sobre a mesa; e o prato com laranjas é uma elipse igual à boca da jarra. Assim Cézanne resolve sua pintura.

É interessante que a partir de agora, sempre que tivermos oportunidade, procuremos olhar uma pintura de Cézanne buscanco decodificar certos códigos escondidos em suas imagens tão distorcidades e tão belas!

A crítica modernista de Clement Greenberg

2010-02-09T17:21:00.003-04:00

Da esqueda para a direita: Jackson Pollock, criança, Clement Greenberg, Helen Frankenthaler e Lee Krasner (1952).

Apesar de tantos questionamentos e dúvidas relevantes acerca de sua inflexível crença de que a boa obra de arte responde e diz respeito a aspectos estéticos formais, Greenberg conseguiu um feito jamais alcançado por crítico algum de sua época: criou a narrativa da arte moderna.

"O que importa é que Greenberg define uma estrutura narrativa que está em continuidade natural com a narrativa vasariana, mas uma narrativa em que a substância de arte lentamente se torna o assunto da arte." - DANTO, A. C. Após o fim da arte, Edusp: SP
Alguns textos são tão emblemáticos que conhecê-los é imperativo para aqueles que desejam saber mais sobre a arte moderna. A aula disponibilizada para download no fim deste post apresenta uma breve interpretação de alguns textos de Greenberg publicados no livro Clement Greenberg e o debate crítico, da Editora Zahar, organizado por Glória Ferreira e Cecília Cotrim. Esta publicação além de apresentar textos não revisados do crítico, isto é, no formato original de suas primeiras resenhas, traz também ensaios de outros críticos sobre a controversa obra de Greenberg.

Faça o download do arquivo

A noiva, nós e a arte contemporânea

2010-02-09T17:10:00.002-04:00

Etant donne

Depois de um longo período de ausência voltemos ao Blog Sobre Arte e ninguém melhor do que Duchamp (que enganou a todos com seu debochado silêncio) para reabrir nossa temporada de estudos e análises.
Para se pensar nos problemas da arte contemporânea vamos a Arthur Danto, em seu livro "A Transfiguração do Lugar-Comum" editado no Brasil pela Cosac & Naify:

"A máquina de escrever que estou usando poderia ser uma obra de arte, mas não é. O que torna tão interessante o conceito de arte é que dizer que minha máquina de escrever poderia ser uma obra de arte não é o mesmo que dizer que ela é um sanduiche de presunto, embora um certo sanduíche de presunto até pudesse ser um objeto de arte. Mas a explicação disso não se encontra unicamente na concepção de que uma obra de arte é um objeto relacional; a razão de ve ser mais profunda."

Ou seja, para se viver a experiência da arte contemporânea, para se apreciar a arte contemporânea, não devemos mais levar em consideração a forma apresentada pelos objetos, ao que é puramente visual. Em outras palavras, ter cara de obra de arte não é suficiente e muito menos necessário para ser um objeto de arte. Atualmente, qualquer coisa (objeto ou não) pode ser uma obra de arte, mas isso não quer dizer que qualquer coisa seja arte.
Quem deu o primeiro grande passo para esta nova forma de conceber e entender a arte foi Marcel Duchamp, artista de segunda categoria para os modernistas europeus, celebridade para uma panelinha de intelectuais norteamericanos, e hoje considerado uma referência indiscutível para o pensamento artístico contemporâneo. Gostando ou não de Duchamp, temos que admitir que ele foi impressionante em seus gestos e jogos.

AULA:
Duchamp II

A bibliografia de referência para a aula em anexo foi:

PAZ, Octavio. Marcel Duchamp ou o castelo da pureza. Ed Perpectiva.

CABANNE, Pierre. Marcel Duchamp, engenheiro do tempo perdido. Ed Perspectiva

TOMKINS, Calvin, Duchamp. Cosac & Naify

FERREIRA, Gloria & COTRIM, Cecilia. Clement Greenberg e o debate crítico. Zahar.

Minimalismo e Arte Conceitual

2010-02-09T11:03:00.005-04:00

DA INCOMPLETUDE DO OBJETO À AUSÊNCIA TOTAL.

R. Morris

Na década de 60, novos objetos que não eram nem escultura, nem pintura começaram a tomar o lugar das obras de arte modernas. O que quer que fossem causaram desconforto a alguns e interesse imediato de outros. Wood, em defesa destes trabalhos diz que aparência não é mais o que importava – pois tinham a intenção explícita de frustrar essa forma de olhar que se deliciava com relações complexas e composições engenhosas. Deveríamos perceber os processos de criação e os materiais utilizados. Começava uma mudança de paradigma, uma nova maneira de se identificar as obras de arte.

Na arte Minimalista, as relações internas que antes existiam nos objetos modernos desaparecem; objetos simples tomam este lugar e propõem a interação entre objeto, espectador e espaço.

Estas obras não são estruturas eloqüentes porque são muito simples formalmente. Porém são idéias interessantes porque deslocam nossa atenção para os materiais, para a relação que fazem com o espaço, com nós mesmos. Nosso olhar abre-se e não se limita à apreciação da forma que se apresenta – como ocorre amiúde com objeto independente e auto-suficiente do modernismo. Neste sentido, podemos dizer que as obras modernas são auto-suficientes porque não precisam de um conceito além da sua própria forma. Obras Pós-modernas, como as minimalistas, não apresentam tal plenitude formal. A arte pós-moderna é a ausência da plenitude – um caminho para a verdadeira “ausência da presença” (do objeto).

A Arte Conceitual desenvolvida nos anos 60 do século XX é o momento em que a arte se estabelece como produto do pensamento e da reflexão, e não na manufatura de objetos. Neste momento as características estéticas e materiais das obras tornam-se completamente irrelevantes e chegam a desaparecer no gesto e na idéia da própria obra.

Obras desmaterializadas começam a ser criadas. Algumas vezes surgiam apenas sugestões da obra de arte, como no trabalho de Weiner para a exposição When Attitudes become forms, que marcou a arte conceitual em Londres em 1969. O artista apenas deixou escrito, junto ao seu nome e ano:

“Algo está perto no tempo e no espaço, mas ainda não é conhecido por mim.”

Obras como esta, embora muitas vezes não se realizassem concretamente, ainda assim, se apresentavam ao espectador como possibilidade de contemplação, mesmo que imaginária. Mas houve um conceitualismo mais analítico, ligado principalmente ao grupo londrino Art & Language; estes foram mais literais e colocaram de fato a arte no terreno da linguagem propondo que a prática da arte estivesse intimamente ligada às práticas de leitura e de escrita. Sem voltar-se aos velhos problemas de superfície, efeitos e aparência.

AULA Minimalismo e Arte Conceitual

Bibliografia:

ARCHER, MICHAEL, ARTE CONTEMPORANEA, uma história concisa, São Paulo: Martins Fontes

DIDI-HUBERMAN, Georges; O que vemos, o que nos olha. São Paulo: Editora 34.

LUCIE-SMITH, E.MOVIMENTOS ARTISTICOS A PARTIR DE 1945, Martins Fontes

WOOD, Paul, Arte Conceitual, São Paulo:

Cosac & Naify

WOOD, Paul; FRASCINA, Francis; HARRIS, Jonathan; HARRISON, Charles. Modernismo em Disputa – a arte desde os anos quarenta, São Paulo: Cosac & Naify

Pop Arte

2010-02-04T20:35:00.009-04:00

A Pop Arte é um movimento da arte contemporânea, ocorrido em meados do século XX, que utilizou de forma inovadora conteúdos e imagens dos meios de comunicação de massa. Segundo Hamilton, um dos integrantes do grupo britânico INDEPENDENT GROUP, a Pop Arte deveria ser, sobretudo, “popular, transitória, consumível, de baixo custo, produzida em massa, jovem, sexy, espirituosa, glamourosa, chamativa, e um grande negócio”.

Ao analisar uma das obras mais emblemáticas da Pop Arte, a colagem de Hamilton “O que exatamente torna os lares de hoje tão diferentes, tão atrativos?” McCarty chama a atenção, em primeiro lugar, para a origem das imagens que formam esta colagem, isto é, todas são retiradas de revistas populares da época. Depois afirma que “ao reconhecer a existência do material e usá-lo numa colagem, Hamilton sugeria não só que o reino dos meios de comunicação de massa era digno de inclusão nas categorias mais elevadas da cultura ocidental, mas também que as distinções culturais tradicionais – entre elevado e inferior, elitista e democrático (...) – poderiam ser resquício de uma sensibilidade estética antiga e agora obsoleta.”

Lichtenstein

Neste sentido, a Pop Arte vai além da ação duchampiana que desloca um objeto ou imagem de seu sistema original para “elevá-lo” à categoria de arte. A Pop Arte irá também deslocar uma imagem de seu sistema original e transferí-la ao sistema das artes, porém não irá, necessariamente, “dizer” que com isso a imagem original “elevou-se” ao ser assimilada pelas artes. Desta forma se estabelece um modelo fundamental para o entendimento da arte contemporânea que torna horizontal qualquer tipo de manifestação visual dentro das artes, independente da qualidade ou categoria original da imagem utilizada (publicidade, pornografia, fotografia caseira, filme, televisão, comic, produtos industrializados, lixo, etc.). A ação contemporânea (filha da ação pop) tende a entender e valorizar as imagens, sejam elas oriundas das massas, sejam elas oriundas da alta cultura, em graus de igualdade. Com isso, pouco a pouco, vai-se destruindo a idéia tradicional de que o “auge” da carreira de uma imagem é ser considerada uma imagem artística.

Peter Blake

Oldenburg

Bibliografia para consulta:

ARCHER, MICHAEL, ARTE CONTEMPORANEA, uma história concisa, São Paulo: Martins Fontes

DANTO, Arthur C .APóS O FIM DA ARTE, São Paulo: Edusp

LUCIE-SMITH, E.MOVIMENTOS ARTISTICOS A PARTIR DE 1945, Martins FontesMcCARTHY, David; Arte pop, São Paulo: Cosac & Naify
WOOD, Paul; FRASCINA, Francis; HARRIS, Jonathan; HARRISON, Charles. Modernismo em Disputa – a arte desde os anos quarenta, São Paulo: Cosac & Naify

Welsseman

Hockney

aula POP ARTE

Mais Pop com Peter Blake

2010-02-04T20:29:00.005-04:00

Blake - Auto-retrato

Peter Blake é um dos grandes nomes da Pop Art. Artista inglês, foi quem fez o design da capa do álbum Sgt. Pepper dos Beatles, que é aliás uma das mais bonitas da discografia do grupo.

Mais Blake....

Blake - The origins of POP (1961)

Peter BLAKE - "The Meeting or Have a Nice Day, Mr Hockney" (1981-83)

Peter BLAKE - "The Deer Park (After Velazquez)" (1996)

Peter BLAKE - "The Twins in their Tea Garden" (1995-1999)

Peter BLAKE - "Demonstrations in a Department Store" (1998)

Peter Blake - Band Aid

Peter BLAKE - "The Artists' Fancy Dress Ball" - (2005)
Marcel DUCHAMP World Tour series

Peter BLAKE - "Playing Chess with Tracey" -

Marcel DUCHAMP World Tour series - (2005)

Nesta tela abaixo, também da série Marcel Duchamp, observem que dentro do ônibus está, ninguém ninguém menos que Rrose Sélavy

Peter BLAKE - "He meets the Spice Girls and Elvis" - (2000-2005)

Marcel DUCHAMP World Tour series

Vocês se lembram da Rrose Sélavy?

Eros c’est la vie

Eros é a vida

Quem não se lembra, ou nunca soube quem é essa tal de Rrose,
volte na aula de Duchamp

Download da aula POP ART AQUI

Arte Barroca

2010-02-04T20:21:00.004-04:00

Georges de la Tour - Maria Madalena 1640, (Vanitas)

Imagens do passado, por que não? O conjunto de obras de arte e outras categorias de imagens mais tradicionais, ou historicamente anteriores ao século XX (porque às vezes nos deparamos com imagens nada tradicionais dos séculos passados) podem ser fundamentais para que possamos compreender nossa forma de olhar as imagens feitas em nosso tempo.

Quando li pela primeira vez o livro de Wolfflin, Conceitos Fundamentais da História da Arte, (COLEÇAO A, São Paulo: Martins Fontes, 2001) eu era mais nova e estava começando a buscar um entedimento diverso da história da arte que aprendemos nos primeiros anos de faculdade. O livro me ganhou! Claro que eu não tinha ainda tanta infomação para questionar tudo que o autor defendia em sua tese sobre as características do linear e do pictórico e tudo pra mim fez muito sentido naquele momento!
Quando me tornei docente de história da arte percebi que devia buscar uma forma mais dinâmica de ensinar meus alunos sobre a arte antiga. Foi aí que pude aproveitar bastante o que havia lido naquele clássico livro de Wolfflin.
Iremos estabelecer comparações estruturais entre algumas pinturas do Barroco e do Clássico renascentista. Comparando composições, abordagens temáticas, técnicas e modos de ver, os alunos assimilam com mais eficiência a informação básica sobre o movimento. É importante esclarecer que a aula não tem como objetivo defender a tese wolffliniana da repetição pendular das características do linear e do pictórico no decorrer da história da arte. Apenas utlizei algo da metodologia de classificação formal, de ambos os movimentos, proposta pelo autor.

Abaixo apresento pinturas que ilustram bem uma série de características como:
1. Contraste profundo entre luz e sombra

Caravaggio - São João Batista (1600)

Neste quadro além do chiaroscuro totalmente espetacular e teatral, marca registrada de Caravaggio, podemos observar seu realismo primoroso e a sensualidade quase sacrílega que o pintor ousava representar seus santos (principalmente as pinturas de São João Batista jovem).

2. Diagonais como direção privilegiada:

Velazquez - Vênus ao espelho (1651)

As diagonais nesta pintura aparecem marcadas pela cortina e pela posição do corpo da Vênus.
Além disso, o quadro também é um exemplo da ousadia do Barroco. Na Espanha, tão católica e tradicional, esta Afrodite de Velazquez é uma possível citação a uma famosa cortesã da época, que recebia seus poderosos amantes totalmente nua, sobre sábanas negras, valorizando assim a alvura de sua pele!

3. Realismo e insignificância ao belo ideal:

Caravaggio - Cabeça de uma velha senhora. Detalhe de Judith e Holofernes

Caravaggio - São Jerônimo (1605-06)

Este quadro foi considerado inapropriado pela Igreja, pois representa o santo de forma muito realista, sem esconder a velhice e a fraqueza do homem, Caravaggio teve que pintar outro quadro mais digno de São Jerônimo.

Essa estranha pintura de Rembrandt é uma entre as muitas que nos mostra como o pintor estava mais interessado em pintar seus próprios temas que os temas da moda. A carcaça é bem dramática, como toda boa pintura Barroca.

Velazquez - El niño de Vallecas (1645)

Velazquez, como Caravaggio, desenvolveu uma obra de extremo realismo. El nino de Vallecas se chamava Francisco Lezcano e era um dos muitos anões que faziam parte da corte española com objetivo de distrair e brincar com os nobres. Este garoto era um dos juguetes do infante Baltazar Carlos, que por sinal sobreviveu ao pequeno príncipe... Velazquez não deixou de registrar estes nada comuns membros da corte espanhola.

4. Representação espacial “lisérgica”

Este auto-retrato de Murillo (1670) fala por si. Até Murillo soube ser misterioso!

Um dos recursos visuais e espacias mais interessantes, para mim, no Barroco é o quadro dentro do quadro. Isso amplia de forma inusitada o campo visual-horizontal, faz com que a profundidade da cena se torne totalmente virtual. É para mim um análogo ao universo windows contemporâneo, múltiplas janelas e múltiplos mundos de informação a partir de um único espaço. Maravilhoso!

Para saber mais faça o download da aula BARROCO I

Como olhar uma pintura barroca

2010-02-04T20:18:00.001-04:00

Esta é a pergunta que eu faço a vocês, alunos (História das Artes III) e amigos do Blog.
Abaixo temos uma série de quadros, todos do período Barroco Europeu, porém de lugares diferentes, com problemas e questões diferentes. Vou colocar o crédito dos quadros para que o aluno pesquise as imagens. Todas foram retiradas do site Web Gallery of Art, por aqui vocês podem começar a investigar informações e fontes.
O exercício vale 30 pontos e pode ser feito em DUPLAs (por favor, não existe dupla de 3!):

1. As duplas escolhem 6 imagens das que estão abaixo e fazem uma análise visual cuidadosa de cada pintura. Quero saber quais são as características que garantem a "barroquicidade" de cada imagem. Não só formal mas também com relação à abordagem temática e qualquer outro fator que seja relevante no perído Barroco e que esteja presente nestas imagens. Lembrem-se das comparações que fizemos em sala de aula entre obras barrocas e obras renascentistas!

2. Evitem repetir pintores. O trabalho deve ser feito em sala de aula, naquela 1 hora de espera, mas parte dele também pode ser feito em casa... No inicio da aula irei conferir e tirar dúvidas de quem já começou os exercícios. Vocês tem até o dia 26 de março pra me entregar isso, ok?

3. Texto sobre Barroco (os mesmos do xerox).

Caravaggio, David (1600)

Caravaggios, Emmaus

Caravaggio - Conversão de São Paulo

BACKHUYSEN, Ludolf - Tormenta

BAILLY, David - Auto-retrato

Rubens- Crucificação

Rubens - Rapto das sabinas

Rubens - Juizo final

BEGA, Cornelis - Alquimista

Velazquez - Desayuno

Velazquez - Reina Doña Mariana de Austrias

Vermeer - Mulher bebendo com cavalheiro

Vermeer - Atellier do artista

Intervenção Urbana # BLU

2010-02-04T20:13:00.004-04:00

Não tenho palavras para isso...

A difícil arte de se entender a arte contemporânea

2010-02-04T20:04:00.003-04:00

Quem faz a obra de arte? O artista ou o espectador? O artista que lhe confere a intenção artística? ou o espectador que percebe a obra e no ato de percebe-la ele a interpreta, e nessa interpretação ele a cria? Mas essa criação é suficiente para definir a artisticidade de um objeto?

Quem nunca se surpreendeu ou detestou a arte contemporânea que atire a primeira pedra.

Brillo Box, Andy Warhol

A teoria da arte contemporânea não explica de forma sistemática, embora justifique, porque a Brillo Box de Warhol é uma obra de arte e a Brillo Box do supermercado não é... Voilá uma das diferenças fundamentais entre a arte contemporânea e a arte moderna e antiga. Sobre as duas últimas, havia uma teoria que dava conta de explicar o que era arte, o que não era, e os porques implicados nestas diferenças de estatuto. Porém, a partir da pop arte não mais havia na história da arte uma teoria que fosse eficiente na explicação do que era ou não arte e por que. A única explicação aceitável para a arte contemporânea era: isso é arte pois quem a fez quis que assim o fosse.

bom exemplo deste pro

blema aparece na hipótese

dos quadros vermelhos que

Arthur Danto propõe em seu Transfiguração do luga

r comum

(Cosac & Naify). O filósofo coloca a coisa nos seguintes termos: imaginemos uma exposição composta por quadros vermelhos, cada um de um autor diferente e cada qual com seu conteúdo e conceito distinto. Ele analisa a partir daí questões como: a similitude entre 2 coisas não as torna coisas iguais, e muito menos não as torna uma imitação da outra (“Água benta não é somente água”, por exemplo). E por aí, como é possível assumir atitudes distintas em relação a qualquer objeto, mesmo que sejam terrivelmente idênticos na aparência (isso vem de Kant).

Danto fala:

“...a diferença entre arte e realidade seria menos uma questão das coisas em si do que das atitudes, e portanto não dependeria das coisas com que nos relacionamos, mas de como nos relacionamos com elas.”

“Parece agora que qualquer coisa pode acontecer no espaço delimitado do palco, imitação ou não da realidade, contínua ou descontínua em relação à vida, pelo simples fato de ocorrer, por assim dizer, entre parênteses, é arte.”

“... Assim como um homem é marido somente porque preenche determinadas condições definidas pelas instituições, ainda que seu aspecto exterior não o diferencie de qualquer outro homem. Isso nos trás de volta onde começamos...”

Parece que conhecer uma obra de arte contemporânea dependerá muito mais do que ela diz (silenciosamente e invisivelmente) ao observador do que como ela se apresenta. A obra de arte atual pode parecer qualquer coisa, menos arte (no sentido tradicional de quadros e esculturas, desenhos e objetos bonitos). Veja as imagens abaixo, são de Contención, a instalação de Geysell Capetillo, artista cubana convidada à 26a Bienal de São Paulo de 2004!

Capetillo, Contención 2003

O contrário também é verdadeiro. Ou seja, muitas vezes imagens e objetos com cara de obra de arte não podem ser considerados como tal, pois não foram realizados com aquela finalidade. A obra de Arthur Bispo do Rosario é um excelente exemplo: peças votivas e religiosas que o próprio Bispo negou serem obras de arte diversas vezes (pois sua finalidade era bem específica, serviriam de prova para seu reconhecimento ao Pai no dia de sua passagem). No entanto, depois de sua morte, tais peças foram assimiladas pela instituição Arte Brasileira e Bispo tornou-se um importante nome da arte nacional, sem nunca ter sido artista, sem ter feito sequer uma obra de arte...

Vitrine Bugingangas

Vitrine

Detalhe de uma Vitrine de Bispo

Adoro o caso de Bispo, amo suas imagens pois ele nos prova que nem toda boa imagem precisa ser considerada artística para ser realmente boa. Excelentes objetos e imagens podem pertencer a outro sistema distinto ao das artes. Como o sistema das imagens religiosas e de devoção (ao qual a obra de Bispo pertence) ou a uma série de outros como publicidade, pornografia, cultura popular, esoterismo, etc., que também produzem imagens tão interessantes como a arte, mas que não precisam ser rotuladas como tal para terem seu mérito. Costumo dizer aos meus alunos que, atualmente, não podemos acreditar que a maior ambição de uma imagem seja tornar-se uma obra de arte. Ou seja, ser uma obra de arte já não é mais o melhor bônus para as imagens contemporâneas. Vivemos no tempo das imagens, na cultura das imagens. Atualmente temos a chance de viver a experiência de interpretação de uma imagem de forma mais horizontal, sem colocar hierarquias e rótulos naquilo que se vê e se consome. Isso quer dizer que uma obra de arte tem o mesmo interesse e valor simbólico para cultura que uma peça de design, que uma ilustração publicitária, que um seriado de TV ou uma obra do folclore. Sim. Não estou falando de valor econômico e sim do valor enquanto objeto cultural, cada vez mais desaparecem os degraus entre as imagens.

Assim, algumas imagens da arte contemporânea podem nem ser tão interessantes do ponto de vista visual, pois a arte atual abre mão da estética, da estesia propriamente dita, para alcançar outros níveis de compreensão e reflexão, extrapolando o apenas visual.

Voltando ao Arthur Danto (Transfiguração...), mais uma vez o filósofo cria uma situação hipotética, falando agora das Gravatas azuis de Picasso, de uma criança, de Cézanne, e de um falsificador. Os objetos em discussão são 4 gravatas simples pintadas com tinta azul, as 4 são semioticamente idênticas entre si, não podendo ser distinguidas apenas pela observação.

A primeira foi feita por Picasso, e apesar de ter a aparência de uma gravata qualquer pintada de tinta azul, foi feita a partir de uma série de reflexões sobre a arte e as imagens e, além disso, terá a assinatura inquestionável de um grande artista, logo é arte e pronto. A segunda é uma gravata azul criada por uma criança, cuja mãe após visitar a exposição da Gravata de Picasso, indignada, propõe provar que aquilo não é arte e pede ao filho pequeno que faça uma gravata idêntica àquela. Será que isso é um elemento suficiente para se provar a autenticidade de uma obra de arte? Sim ou não? Por que?
Há ainda uma terceira gravata que, apesar de idêntica à gravata azul de Picasso e do menino, é uma gravata qualquer que Cézanne – outro grande artista – criou acidentalmente usando-a para limpar um pincel com tinta azul, a mesma que Picasso iria usar na sua obra-de-arte-gravata (imaginemos que fosse possível, por ordem de um acaso muito pouco provável, mas não impossível que estas duas gravatas fossem idênticas fisicamente, em todos os sentidos). Teríamos neste segundo caso um objeto qualquer que apesar de ter sido produzido por um grande artista, não pode ser considerado obra de arte pois não houve intenção de fazer arte no momento, acidental, de sua gênese! E temos ainda uma quarta gravata azul, esta criada por um habilidoso falsificador que percebe a polêmica das gravatas e se aproveita da situação criando um último objeto, tão paradoxal quanto os primeiros.

Vamos lá, mesmo que se possa identificar uma mínima diferença entre essas 4 gravatas, não saberemos ainda qual delas é uma obra de arte e qual não é. O que nos permite saber qual é a obra de arte, a provocação, a falsificação e a coisa qualquer é a história. O modo como o objeto surgiu no mundo.

Um objeto pode ser aceito como obra de arte numa determinada época e em outra não (exemplo: arte conceitual é aceita nos dias atuais, no século XV sequer seria percebida, o próprio desenho que hoje é uma linguagem artística das mais tradicionais que até o século XIX era um mero recurso para apoiar a pintura e a escultura) .Também certas coisas podem ser aparentemente iguais e não dizerem a mesma coisa.

A gravata azul somente diz respeito a determinada ação (artística ou não) se estiver pressuposta à história casual correspondente à aquele assunto.

Quem vai dizer agora que a Brillo Box de Warhol não é arte?

Tutto Caravaggio

2010-02-04T19:43:00.003-04:00

Achei um site delicioso para quem adora o mestre barroco Michelangelo Merise da Caravaggio:
TUTTA L 'OPERA DE CARAVAGGIO

IMPERDÍVEL... A parte biografica é apresentada de forma criativa, com fragmentos em video de documentários e palestras de estudiosos (idioma italiano).
Há os arquivos de todas as pinturas cuja autoria de Caravaggio já foi confirmada. As imagens dos quadros são pequenas, porém isso não importa pois há outros sites que oferecem essas imagens em tamanho maior. No entanto, é possível dar closes intensos nas pinturas, ver até os detalhes da pincelada, do craquelê!
Há também arquivos de audio explicativos sobre quadros e documentos da obra e do artista.

Aula Barroco II / biografias

Site Specific

2010-02-04T19:41:00.002-04:00

Não há nada ou ninguém melhor que Richard Serra e seu Arco Inclinado para ilustrar este post . Polêmico, exagerado, mas venhamos e convenhamos, autêntico em sua especificidade.
Esta mania de juntar objeto com espaço ganha força a partir do minimalismo e das reflexões de seus idealizadores sobre objetos específicos (Judd). O desdobramento minimalista de se utilizar o espaço como meio na arte também é fundamental para se entender o Site Specific (especificidade espacial)fundando uma nova atitude na arte pública contemporênea (tudo bem diferente dos modelos de intervenção artística anteriores que vão desde monumentos comemorativos às esculturas públicas dos artistas modernos, que não deixam de ser monumentos comemorativos da modernidade). Ou seja, a nova justificativa do Site Specific é de uma arte capaz de ocupar um espaço determinado no entorno urbano e fazer deste espaço um elemento tão importante para a obra como a propria materia utilizada. Algo como um desenvolvimento do problema sobre o vazio na escultura moderna, isto é, o espaço circundante, assim como o espaço oco da escultura é algo que está contido na obra, não pode ser separado dela em absoluto.
Imagine se alguém iria propor, por exemplo, de despedaçar uma obra de Caro, deixar uma parte na Tate e jogar o resto fora? absurdo não é? Pois é isso que fizeram com o Tilted Arc de Serra. A obra estava numa praça, em frente a um edificio federal em NY; incomodando os traseuntes por estar ali tão imensa e sólida (e feia talvez, sem nenhuma qualidade sedutoramente pop). Foi deliberado que deveriam retirá-la de lá. Serra e os artistas fizeram alarde. Retirar a obra significava desmembrá-la, separar a peça de aço do espaço que ocupava era um sacrilégio artístico. Era amputar a obra de arte, era acabar com sua especificidade espacial. Estes foram os justos argumentos, mas nada impediu que o Arco fosse retirado. Tais argumentos eram por demais complexos para convencer os advogados e o público em geral. Tudo demasiadamente artístico, demasiadamente inefável para ser compreendido de forma direta e superficial.
Este é o raciocínio do Site Specific, sua singularidade espacial, sua relação estreita com o lugar que ocupa; não é necessário falar muito mais sobre isso.
Voltando ao Tilted Arc, confesso com vergonha que não sei qual foi seu fim, vou pesquisar, porém acho importante confessar minha ignorância sobre o seu paradeiro pois isso mostra quão destruído ficou o Arco depois de sua remoção, ou seja, muito se falou sobre sua polêmica existência enquanto estava lá, no seu espaço, com sua alma, por assim dizer, mas no momento em que de lá o retiraram já não nos interessamos por ele. Que fim levou? Morreu.

AULA Arte Pública

O que faz o graffiti é o muro

2010-02-04T19:05:00.006-04:00

El Tono

Quem falou isso foi Roland Barthes. Não a inscrição e sim o muro.

Isto tem a ver com o que é graffiti. Muitas pessoas, muitas mesmo, pensam que graffiti são somente aquelas imagens coloridas que vemos "da per tutto", em todo lugar, nas cidades contemporâneas, ou seja, que o graffiti é apenas o graffiti hip hop. Ledo engano. Para a grande massa, o resto das inscrições que vemos por aí são pichações, marcas, etc. Porém os digo, qualquer inscrição presente em uma superfície sem autorização para tal é um graffiti. Neste sentido, ser graffiti é ser essencialmente transgressivo, é flertar com o vandalismo, independente se é bonito ou feio, se gostamos ou não, se tem sentido ou se é estupidamente desnecessário. Para ser graffiti deve ser sobretudo proibido.

Banksy

Os Gêmeos

Vasmoulaskis

Blu

Então como ficam as peças autorizadas, pinturas que se parecem com o graffiti que gostamos mas que estão nas galerias ou em muros e paredes liberadas para a inscrição? Grande polêmica. Não me perguntem minha opinião, eu a tenho mas prefiro me calar! Muito mais importante do que aceitar que uma bela obra feita no muro de uma loja talvez não seja um graffiti e sim uma pintura em spray, é aceitar que o "pixo" que toma nossas fachadas de edificios e monumentos é sim graffiti.

Vamos esclarecer o problema. Há graffiti textuais apenas, com mensagens políticas, filosóficas, pornograficas, pessoais, declamativas, etc. Há graffiti puramente icônicos, são aqueles com símbolos gráficos, são os stencils, qualquer desenho numa nota de dinheiro, carteira de colégio, porta de banheiro... há o graffiti hip hop, esse tão pop atualmente, tão singular porque é icônico e verbal ao mesmo tempo. É um nome escrito de uma forma tão elaborada graficamente que a palavra vira pura imagem, perde sua legibilidade linguística e vira uma coisa colorida! O graffiti hip hop é isso, um nome sofisticado que vira uma imagem e tanto.

Hanem

Em Londres

Old School

NESTE BLOG, EM ASSUNTOS, LEIA MAIS SOBRE GRAFFITI E ARTE PÚBLICA .

Aula para download/ graffiti e Guerrilla

Lugares interessantes sobre graffiti na rede (vale a pena abrir links e links...):

http://www.graffiti.org/index/best.html

http://www.lost.art.br/

http://www.eltono.com/

http://stencilart.blog.com
http://www.fatcap.com

http://duncancumming.co.uk

www.banksy.co.uk

www.spaceinvaders.com

Neoclassicismo e Romantismo

2010-02-04T14:01:00.006-04:00

DAVID, Jacques-Louis
Anne-Marie-Louise Thélusson, 1790

O neoclassicismo é um movimento artístico que, a partir do final do século XVIII, reagiu ao barroco e ao rococó, e reviveu os princípios estéticos da antigüidade clássica, atingindo sua máxima expressão por volta de 1830. Não foi apenas um movimento artístico, mas cultural, refletindo as mudanças que ocorrem no período, marcada pela ascensão da burguesia. Essas mudanças estão relacionadas ao racionalismo de origem iluminista, a formação de uma cultura cosmopolita e profana.

Entre as principais filosofias do período neoclássico temos a pregação da tolerância; da igualdade e fraternidade entre os povos (nada mais nada menos que os ideias revolucionários que motivaram a Revolução Francesa), ou seja, o pensamento iluminista.

A arte vai tornar-se eco dos novos ideais da época: subjetivismo, liberalismo, ateísmo e democracia. Esses foram os elementos utilizados para reelaborar a cultura a partir de um modelo idealizado da antigüidade clássica, greco-romana.

No século XVIII, as rápidas e constantes mudanças acabaram por dificultar o surgimento de um novo estilo artístico. O melhor seria recorrer ao que estivesse mais à mão: a equilibrada e democrática antigüidade clássica. E foi assim que, com a ajuda da arqueologia (Pompéia tinha sido descoberta em 1748), arquitetos, pintores e escultores logo encontraram um modelo a seguir.

Surgiram os primeiros edifícios em forma de templos gregos, as estátuas alegóricas e as pinturas de temas históricos. As encomendas já não vinham do clero e da nobreza (lembrem-se da Revolução Francesa que cortou as cabeças destas classes), mas da alta burguesia, mecenas incondicionais da nova estética. A imagem das cidades mudou completamente. Derrubaram-se edifícios e largas avenidas foram traçadas de acordo com as formas monumentais da arquitetura renovada, civil, estatal, referente às novas instituições burguesas que passariam a existir pós- revolução burguesa – universidades, foros públicos, bancos, etcs.

O Neoclassicismo foi marcado pela história, não apenas no que diz respeito à temática das obras de arte, mas também na relação entre sujeito e sociedade. Ou seja, com a ascenção da Burguesia no poder começou a ser necessario a contrução de um passado – antes isso não era necessario pois a nobreza tinha o vínculo com o passado, com a descendência de sangue e de tradição, como algo muito natural – a burguesia por sua vez viu-se obrigada a inventar seu passado, a forjar sua tradição. È o período das grandes coleções, o inicio dos grandes museus como instituições públicas e privadas, da criação da Enciclopédia, etc.

Entre as principais características podemos generalizar da seguite maneira:

1. Retorno ao passado, pela imitação dos modelos antigos greco-latinos;

2. Academicismo nos temas e nas técnicas, isto é, sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes;

3. Arte entendida como imitação da natureza, num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles.

4. Vínculo político com os ideais revolucionários promovendo a emancipação temática das grandes pinturas históricas.

Pintura

A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana, sobretudo em Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição. De uma forma geral caracterizou-se pela exaltação de elementos mitológicos ou pela celebração dos grandes momentos históricos, Napoleão foi um tema recorrente do período! As figuras pareciam fazer parte de uma encenação teatral e eram desenhadas numa posição fixa, como que interrompidas no meio de uma solene representação. A função narrativa era interpretada como uma gélida encenação. O fato histórico se subordinava à teatralização, à captação de um momento perpetuado na história.

David - Morte de Marat - 1793

As figuras eram muito rígidas, e os rostos muito sérios, quase sem expressão, simulavam máscaras das antigas tragédias gregas. As túnicas e capas caíam em dobras pesadas e angulosas, cobrindo as formas do corpo. A moda da época, chamado estilo Império, é bem identificada nas pinturas da época, era bem mais simples e também fazia eco à cultura grega da antiguidade. A Moda foi ativista e política contra o soberbo e luxuriante estilo rococó (vide Maria Antonieta). Tudo era mais simples, os tecidos, a modelagem, os penteados, o sapatos, etc.

DAVID, Jacques-Louis
Madame Raymond de Verninac 1798-99

Na pureza das linhas e na simplificação da composição, buscava-se uma beleza deliberadamente estatuária. Os contornos eram claros e bem delineados, as cores, puras e realistas, e a iluminação, límpida. Tal e qual acontecia no Renascimento, porém as técnicas de pintura era mais elaboradas, o que propicia um realismo indescritível às obras neoclássicas.

Características da pintura:

Formalismo na composição, refletindo racionalismo dominante.

Grandes formatos

Exatidão nos contornos

Harmonia do colorido

Temática histórica

Os maiores representantes da pintura neoclássica são, sem dúvida,

Jacques-Louis David - foi considerado o pintor da Revolução Francesa, mais tarde, tornou-se o pintor oficial do Império Napoleônico. Durante o governo de Napoleão, registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo, mas algumas delas exprimem fortes emoções.

Napoleon at the St. Bernard Pass 1801

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. Ardoroso defensor da pureza das formas, ele afirmava, por exemplo, que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola", repetia a seus alunos. Sua obra abrange, além de composições mitológicas e literárias, nus, retratos e paisagens, mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo, principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Amante declarado da tradição. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de seus retratados, na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles, numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados, rendas, flores e jóias.

Ingres tem também característica muito românticas em suas pinturas presente no colorido muito vivo e no interesse pelo exótico, pelo mundo extra-europeu. Alguns artistas neoclássicos trilharam caminhos próximos à temática romântica, tornando difícil estabelecer um limite claro entre os discursos das duas correntes artísticas.

Napoleon I on the Imperial Throne
1806

Princess de Broglie
1851-53

Escultura:

Os escultores neoclássicos foram marcados pelo rigor e pela passividade e sua produção academicista é considerada fria.

Estátuas de heróis uniformizados, mulheres envoltas em túnicas de Afrodite, ou crianças conversando com filósofos, foram os protagonistas da fase inicial da escultura neoclássica. Mais tarde, na época de Napoleão, essa disciplina artística se restringiria às estátuas eqüestres e bustos focalizados na pessoa do imperador. A referência estética foi encontrada na estatuária da antigüidade clássica, por isso as obras possuíam um naturalismo equilibrado.

Respeitavam-se movimentos e posições reais do corpo, embora a obra nunca estivesse isenta de um certo realismo psicológico, plasmado na expressão pensativa e melancólica dos rostos. A busca do equilíbrio exato entre naturalismo e beleza ideal ficava evidente nos quais os volumes e as variações das posições do corpo eram estudados com cuidado. O escultor neoclássico encontrou o dinamismo na sutileza dos gestos e suavidade das formas.

Quanto aos materiais utilizados, os mais comuns eram o bronze, o mármore e a terracota, embora, a partir de 1800, o mármore branco, que permitia o polimento da superfície até a obtenção do brilho natural da pele, tenha adquirido preponderância sobre os demais. Entre os escultores mais importantes desse período destacam-se o italiano Antonio Canova, escultor exclusivo da família Bonaparte.

O ROMANTISMO

O romantismo foi um movimento artístico ocorrido na Europa por volta de 1800, que representa as mudanças no plano individual, destacando a personalidade, sensibilidade, emoção e os valores interiores.
Atingiu primeiro a literatura e a filosofia, para depois se expressar através das artes plásticas.
A arte romântica se opôs ao racionalismo da época da Revoluçao Francesa propondo a elevação dos sentimentos acima do pensamento. Curiosamente, não se pode falar de uma estética tipicamente ou exclusivamente romântica, visto que nenhum dos artistas se afastou completamente do academicismo, mas sim de uma homogeneidade conceitual pela temática das obras.

A podução artística romântica reforçou o individualismo na medidade em que baseou-se em valores emocionais subjetivos e muitas vezes imaginários, tomando como modelo os dramas amorosos e as lendas heróicas medievais, a partir dos quais revalorizou os conceitos de pátria e república. E mostrou especial interesse pelas culturas exóticas, pela alteridade.

Delacroix The Death of Sardanapalus

Delacroix

A pintura foi o ramo das artes plásticas mais significativo, foi ela o veículo que consolidaria definitivamente o ideal de uma época, utilizando-se de temas dramitico-sentimentais inspirados pela literatura e pela História. Procura-se no conteúdo, mais do que os valores de arte, os efeitos emotivos, destacando principalmente a pintura histórica.

Novamente a revolução e seus desdobramentos servem de inspiração; agora são as Guerras Napoleônicas que inspiram uma arte dramática, de tendência mais politizada.

As cores se libertaram e fortaleceram, dando a impressão, às vezes, de serem mais importantes que o próprio conteúdo da obra. A paisagem passou a desempenhar o papel principal, não mais como cenário da composição, mas em estreita relação com os personagens das obras e como seu meio de expressão.

O romantismo foi marcado pelo amor a natureza livre e autêntica, pela aquisição de uma sensibilidade poética pela paisagem, valorizada pela profusão de cores, refletindo assim o estado de espírito do autor.

Na França e na Espanha, o romantismo produziu uma pintura de grande força narrativa e de um ousado cromatismo, ao mesmo tempo dramático e tenebroso. É o caso dos quadros das matanças de Delacroix, ou do Colosso de Goya, que antecipou, de certa forma, a pincelada emocionada do expressionismo.

Goya - 3 de maio

Goya - Maja Desnuda

Goya - Maja vestida

Gravura de Goya

Goya - gravura - O sonha da razão produz monstros

Também podemos dividir o período romantico em dois discursos que vão orientar as produções artísticas: temos o pitoresco e o sublime. O discurso do sublime vem geralmente associado à grandiosidade, à transcendência, às experiências mais metafísicas. Papel especial desempenharam a morte heróica na guerra e o suicídio por amor. O é o lado escuro e tenebroso do período, porém não deve ser necessariamente ligado ao mal, e sim ao inesplicável, ao inalcansável, a universal.

Goya - Saturno devorando o filho (detalhe)

Caspar David Friedrich

Turner - Tempestade de neve

O discurso do pitoresco vem ligado à simplicidade, à natureza mais palpável das coisas, geralmente refere-se ao cotidiano, à paisagens familiares, bucólicas. O pitoresco é a recusa de ser mais impressionante que a natureza. É a grandiosidade do discreto e do despretensioso.

Constable - Wivenhoe Park

Constable - paisagem

Constable é reconhecidamente um pintor romântico ligado à estética do pitoresco, porém, certas vezes parece que flerta com o sublime, principalmente em suas paisagens cujo céu é o grande protagonista.

Aula para Download / Arte neoclássica e academicismo

Pintura e Citação

2010-02-04T13:50:00.002-04:00

Beatriz Milhazes - suculentas

Desde que a pintura "voltou" ao mercado na década de 1980, depois de um longo silêncio que durou cerca de 20 anos, podems observar que uma das características mais fascinantes da pintura contemporânea é a citação. Ou seja, o assunto da pintura deixa de ser o próprio meio e passa a ser o que foi dito antes. Em alguns aspectos a pintura continua sendo auto-referente, continua fazendo metalinguagem, mas de forma bem diversa da pintura moderna. Até porque a citação na pintura não ocorre apenas dentro do universo dela mesma, ela começa a citar tudo que foi produto cultural do passado, sério ou não. Aliás, a piada é outro recurso da pintura atual.

Mas sem mudar de assunto, vamos dar uma volta pela pintura contemporânea e observa o contexto das citações:
Tanto na Transvanguarda como no Novo Expressionismo a produção pictórica mostrou-se uma releitura da pintura moderna, sem contudo supervalorizar o aspecto midiático, colocando em evidencia fatos mais subjetivos, elementos mais emotivos, políticos e sociais. A pintura não tem uma cara tão nova mas trás consigo o elemento da literatura outra vez, aquele sub texto narrativo que a modernidade tentou erradicar.

Francesco Clemente

Francesco Clemente

Enzo Cucchi: Musica Ebbra, 1982

Cucchi, Enzo Sul marciapiede durante la festa dei cani, 1979

Baselitz

A Pintura a partir deste retorno midiático na década de 1980 tem se desenvolvido gloriosamente apesar do pós-midia na arte, ou seja, da suposta não valorização de um meio sobre outro na prática artística atual.

Um exemplo interessante de como a pintura tem se saído muito bem é a comparação de sua exposição em feiras e exposições internacionais. Ela continua ali, soberba. Mesmo no caso de sua ausencia na última edição da Bienal de São Paulo (mas afinal era a Bienla do vazio!). E o que dizer de sua aparição sublime em várias feiras de arte contemporânea como ArteBA (Buenos Aires, maio 2009). Claro que pode-se argumentar que as feiras de arte são organizadas por galerias e tem fins lucrativos como primeira instancia, e a pintura, que nunca deixa de ser um bom negócio, é a grande vedete destes eventos. Porém, vivemos um momento na arte contemporânea que o design, a publicidade, a moda, a religião, o produto de massa, a pornografia, tudo pode ser arte ou elemento da arte, então eu pergunto, qual a diferença da feira para a exposição internacional.

AÇÃO!

2010-02-04T13:29:00.002-04:00

Esqueleto Coletivo - São Paulo

De um modo geral, as manifestações de arte ativista não se parecem muito com o que estamos acostumados a entender como artes plástivas ou visuais. Se parecem mais com atitudes criativas de apropriação de questões éticas, sociais, culturais e politicas com um viés mais ou menos estético (digo mais ou menos porque uma ação pode configurar-se totalmente alheia ao pensamento estético e visual.).
Estas ações vêm cada vez mais se apresentando de forma coletiva e nônima. Distancia-se do artista performático solitário da década de 1960 e aproxima-se do movimento das massas contemporâneo, da globalização, da comunicação em rede, da estrutura e efera pública atuais.

Esqueleto Coletivo

Segundo Andre Mesquita,

“A vontade de se realizar ações, intervenções e performances na cidade, fragmentada por contradições sociais e econômicas e pelo aparato mercadológico da publicidade e da mídia, está intimamente ligada com a introdução de novos modos de engajamento político no cotidiano, transformando os artistas em agentes ativos e catalisadores de experiências, integrando arte e vida.”

Podemos falar de uma "resingularização do coletivo" (Mesquita) como estratégia de trabalho destes artistas que para denunciar os problemas locais e globais atuam no campo das cidades recuperando o espaço através de ações poéticas e efêmeras e táticas de guerrilla - como intervenções nos circuitos oficiais das galerias e museus, nos meios de comunicação institucionais, como televisão, internet, out-doors até com interferências bem sucedidas na formação da opinião pública, nos produtos do mercado, etc.
No campo artístico, a escolha de um ativismo cultural se define pelo emprego de imagens efetivas e o uso dos meios culturais em "busca de mudança social.” (Mesquita)

Esqueleto Coletivo

Para saber mais sobre arte ativista sugiro este link com o excelente artigo de Andre Mesquita

ARTE-ATIVISMO: INTERFERÊNCIA, COLETIVISMO E TRANSVERSALIDADE

Boa Viagem!

No Egito

2010-02-04T13:15:00.002-04:00

Desculpa ser tão breve neste post....prometo incrementar as informações. De qualquer forma a aulas no link está bastante completa em termos de texto. Fico mais tranquila por isso.

Para mim, falar de arte egípicia sem observar o design de joias é um sacrilégio. Observem neste brinco a riqueza do desenho e das mensagens simbólicas - aguia, escaravelho, globo alado, olho, etc.

Arte Medieval

2010-02-04T12:56:00.005-04:00

Mosaico Bizantino em Ravenna

Fazendo a pesquisa para a aula de arte medieval fui checar a informação que havia na rede e fiquei chocada, porque pelo menos 95% dos textos em blogs e sites de pesquisa rápida são idênticos!!! Estou sendo otimista, pois pensando bem, acho que tudo foi literalmente copiado da mesma fonte, wikepedia, ou sei lá...

Bom, aqui pelo menos temos o privilégio de alguém que pensa antes de postar e que estuda antes de montar as aulas. Não que a pesquisa na internet seja nociva, muito pelo contrário, ela é fundamental, mas devemos saber como buscar, senão caimos numa rede de mediocridade de informação que arrepia. Devemos começar com uma busca simples pelo google ou qualquer outra plataforma de busca, depois devemos diversificar, buscar textos acadêmicos, e-books, imagens sobre o tema (seja ele qual for), e quem sabe outro idioma deve também ampliar a busca em línguas diferentes. Mas vamos lá ao que interessa.

A arte medieval é solene e emotiva ao mesmo tempo, as imagens são simplificadas para funcionar perfeitamente como instrumento de doutrina religiosa e política. Mas também para marcar uma diferença em relação à arte anterior pagã. Perdeu-se toda evolução alcançada na Grecia e em Roma? Claro que não. O legado do escorço, da narrativa helenística e romana, a propria iconografia pagã de povos do oriente e do ocidente é assimilada e "repaginada" pela arte cristã medieval. As técnicas de pintura e de moisaico ainda estão presentes na prodção visual medieval possibilitando inclusive avanços na área. Porém foi deixado de lado o sensualismo, o hedonismo e o virtosismo na representação dos gregos; também desaparecem os retratos e a arquitetura como símbolo do poder e da força presentes em Roma. Estes elementos certamente voltarão em outras épocas, mas na Idade Média fazem pouco sentido.

Para Download das aulas de arte medieval:
Aula I / Arte paleocristã e Bizantina
Aula II / Arte Românica e Gótica